Abbiamo bisogno di un nuovo vocabolario per i tipi di musica utilizzati nel Breathwork Olotropico
Il vocabolario musicale tradizionale non è particolarmente utile. Termini come veloce, lento, maggiore, minore, ambient o cinematico descrivono aspetti della musica in sé, ma ci dicono ben poco su come essa funziona all'interno di uno stato di coscienza espanso.
Allo stesso modo, il genere è spesso irrilevante. Un brano potente per il breathwork può essere orchestrale, elettronico, devozionale, indigeno, sperimentale o interamente acustico. Ciò che conta non è cosa sia la musica, ma cosa fa.
Mentre lavoravo a centinaia di ore di musica per il corso, mi sono ritrovato a cercare un linguaggio che descrivesse i diversi tipi di intensità su cui facciamo affidamento durante una sessione di Breathwork Olotropico. L'intensità è centrale nell'arco di un set ben costruito, eppure non tutta l'intensità è uguale.
Alcune musiche spingono il processo in avanti attraverso il ritmo, lo slancio e l'energia. Altri brani evocano esperienze altrettanto potenti senza fare affidamento sul movimento. Entrambi possono essere profondamente intensi, ma attivano la psiche in modi molto diversi.
Descrivere la musica nelle prime due ore attraverso due tipi di intensità
Per distinguere queste qualità, ho iniziato a usare due termini: Attivante e Affettiva. La distinzione non vuole essere una classificazione rigida, ma piuttosto un modo per riconoscere due forme complementari di intensità.
La musica Attivante genera movimento.
Crea energia attraverso il ritmo, il pulso, la ripetizione, lo sviluppo dinamico e il crescente slancio. Invita il praticante all'azione. Il corpo vuole muoversi, respirare più in profondità, immergersi nell'esperienza che si dispiega. Percussioni, archi incalzanti, ritmi tribali, texture elettroniche e motivi insistenti appartengono spesso a questa categoria, sebbene la musica attivante non si limiti certamente a questi stili. La sua qualità distintiva è che mobilizza.
La musica Affettiva, d'altra parte, genera intensità attraverso la profondità psico-emotiva e psico-spirituale.
Raggiunge il cuore più che i muscoli. Una singola linea di violoncello sostenuta, una voce espressiva, una progressione armonica spaziosa o un passaggio orchestrale che si dispiega lentamente possono portare un enorme peso emotivo senza mai diventare ritmicamente energici.
Questa musica non spinge necessariamente l'esperienza in avanti; al contrario, la approfondisce. Invita alla resa piuttosto che all'attivazione.
Queste due forme di intensità corrispondono strettamente a ciò che molti facilitatori già osservano durante le prime due ore di una sessione di Breathwork Olotropico. Le fasi iniziali dell'arco musicale si affidano spesso maggiormente al materiale attivante, contribuendo a raccogliere energia e a stabilire lo slancio del processo. Con il progredire della sessione, quell'energia inizia frequentemente a trasformarsi in qualcosa di più sfumato sul piano emotivo.
La musica diventa sempre più affettiva, permettendo a ciò che è stato mobilizzato di rivelare le sue dimensioni emotive e simboliche. La tensione affettiva è più della semplice emozione: può indicare stati profondi di consapevolezza ed essere umana che sono profondamente spirituali e profondamente umani.
La playlist per il breathwork si muove su uno spettro di tre nodi distinti.
Pensare alla musica in questo modo ha anche aiutato a chiarire qualcosa che va oltre i singoli brani. L'intensità di un intero set di Breathwork Olotropico può essere intesa come un movimento attraverso uno spettro più ampio con tre punti nodali interconnessi:
Tensione → Risoluzione → Rilascio.
Non si tratta semplicemente di una struttura musicale. È anche una struttura psico-spirituale / emotiva.
Ogni processo terapeutico significativo implica un qualche incontro con la tensione. Che si tratti di tensione fisica, emotiva, simbolica, interpersonale o spirituale, essa rappresenta un'energia che cerca espressione. La musica non crea questa tensione dal nulla; piuttosto, fornisce le condizioni in cui le tensioni esistenti possono emergere in sicurezza e diventare disponibili all'esperienza.
La prima forma di tensione è la tensione attivante.
La tensione attivante è creata attraverso il movimento, l'anticipazione, l'insistenza ritmica e la crescente richiesta energetica. La musica chiede gradualmente di più al partecipante. Incoraggia una respirazione più piena, un maggiore coinvolgimento e la disponibilità ad andare verso l'esperienza piuttosto che allontanarsene. È importante sottolineare che la tensione attivante non riguarda lo stress o l'ansia. È un invito alla vitalità. Aiuta a mobilizzare l'energia che permette al materiale inconscio di emergere.
Tamburi veloci e didjeridoo contribuiscono a costruire tensione e attivazione nella prima ora di un set di breathwork. Questo brano costruisce la tensione lentamente con uno slancio in avanti piuttosto inesorabile, sostenuto da canti tradizionali, bastoncini da battere e un basso pulsante.
La seconda forma è la tensione affettiva.
Qui la tensione non riguarda più principalmente il movimento, ma il sentire. L'ambiguità emotiva, il desiderio, il dolore, la bellezza, la tenerezza, il senso di meraviglia, il mistero e la vulnerabilità creano tutti la propria forma di intensità. Un brano può essere quasi immobile pur portando una straordinaria tensione affettiva, perché apre uno spazio emotivo che chiede di essere abitato piuttosto che risolto. In molte sessioni, è qui che il materiale personale più profondo inizia a dispiegarsi—non perché la musica diventi più forte o più veloce, ma perché diventa emotivamente più accessibile.
Il brano qui sopra è una traccia di violoncello inesorabilmente irrisolta e penetrante che, pur essendo relativamente minimale, mantiene la tensione per tutti i circa 9 minuti del pezzo.
La tensione Attivante e quella Affettiva si sovrappongono spesso—e spesso nella transizione verso la seconda ora.
Queste due forme di tensione non sono fasi separate quanto piuttosto forze complementari. Si sovrappongono continuamente nel corso di una sessione. La musica fortemente ritmica può essere profondamente emotiva, e la musica emotivamente spaziosa può contenere un potente slancio. La distinzione ci fornisce semplicemente un linguaggio per riconoscere quale qualità sta svolgendo il lavoro principale in un dato momento.
Alla fine, entrambe le forme di tensione cercano un movimento verso la risoluzione.
Risoluzione: cosa succede quando la tensione inizia a completarsi?
La risoluzione non è la stessa cosa della conclusione. È piuttosto il punto in cui l'energia psicologica accumulata inizia a riorganizzarsi. Esperienze che erano frammentate possono iniziare a connettersi. Stati emotivi che sembravano travolgenti spesso diventano più coerenti. Immagini, ricordi, sensazioni corporee e intuizioni iniziano a trovare una relazione reciproca. La musica supporta questo processo introducendo gradualmente maggiore apertura, stabilità, spaziosità armonica e integrazione emotiva senza far collassare prematuramente l'intensità.
Glorious Summer è forse un brano più tradizionale da colonna sonora, chiaramente nel punto in cui la speranza ha fatto il suo ingresso nella stanza. Mentre i due brani precedenti mantengono la tensione attraverso lo slancio in avanti e poi attraverso una sospensione carica di attesa, questo pezzo ha una sensazione di apertura verso una possibilità che è già qui.
Musicalmente, i brani che precedono la risoluzione sembrano spesso incompiuti, lasciando l'ascoltatore in sospeso. La tensione si accumula e non si risolve mai del tutto. Mentre nel punto della risoluzione possiamo vedere la musica spostarsi verso una tonalità maggiore con una progressione di accordi che giunge a un punto di completamento, restituendoci la sensazione di risoluzione.
Service di Peter Kater e colleghi è un ottimo esempio di brano in piena modalità di risoluzione. C'è qualcosa di rassicurante e affermativo in questo pezzo. Per me è come se tutto il lavoro fosse stato fatto e ora gli angeli fossero arrivati a festeggiare con noi.
Rilascio: cosa succede quando la tensione si è completata?
Solo dopo che la risoluzione si è verificata diventa possibile il movimento finale verso il rilascio.
Allo stesso tempo, è importante riconoscere che il processo di un individuo raramente si dispiega in perfetta sincronia con l'arco musicale. Mentre la musica segue una traiettoria attentamente considerata dall'attivazione attraverso la profondità affettiva verso l'integrazione, i partecipanti spesso attraversano i propri ritmi unici. Qualcuno può incontrare il proprio materiale emotivo più profondo durante un brano ritmico iniziale, mentre un altro potrebbe ancora lavorare intensamente durante una musica pensata per supportare la risoluzione o il rilascio. Nella mia esperienza, questa non è l'eccezione ma la norma.
Receiving di Anna, Laraaji e Jon Hopkins è in realtà uno dei miei brani preferiti con cui concludere un set. Non è il pieno abbandono che potremmo vedere nella maggior parte della terza ora, ma contiene una tale sensazione di ritorno a casa e di dolcezza, senza il minimo accenno di tensione.
La musica in un set di Breathwork Olotropico è davvero un contenitore per tenere la profondità e l'ampiezza dell'esperienza del praticante.
La funzione della musica, quindi, non è quella di coreografare la psiche o determinare i tempi dell'esperienza di una persona. Piuttosto, crea un ambiente contenitore—un ampio paesaggio energetico ed emotivo all'interno del quale molti processi diversi possono dispiegarsi simultaneamente. L'arco della musica fornisce una direzione senza imporla. Offre inviti piuttosto che istruzioni, fidandosi che l'intelligenza interiore di guarigione di ogni partecipante si relazionerà con la musica nel modo più necessario.
Vista in questo modo, la musica nel corso di una sessione di Breathwork Olotropico non è mai semplicemente uno sfondo. Ogni brano partecipa a un continuum attentamente plasmato di tensione, risoluzione e rilascio. All'interno di quel continuum, sia l'intensità attivante che quella affettiva svolgono ruoli essenziali. Una mobilizza l'esperienza; l'altra la approfondisce. Insieme contribuiscono a creare le condizioni in cui la psiche può muoversi verso la propria capacità intrinseca di guarigione, espressione e integrazione.
Sviluppare questo linguaggio ha anche cambiato il modo in cui ascolto. Invece di chiedermi se un brano sia "adatto al breathwork", ora mi ritrovo a pormi una domanda più utile: Che tipo di tensione crea questa musica? La risposta rivela spesso non solo dove un brano si colloca all'interno di un set, ma anche il contributo unico che può apportare al viaggio che si dispiega.